Mark Mancina es un compositor estadounidense, principalmente
de bandas sonoras de Hollywood, aunque su trabajotambién involucra composiciones para Broadway
y películas animadas como el Rey León y Tarzan.
Intervención de los
Medios
Su trabajo se da a conocer principalmente por la pantalla
grande, por el cine, más adelante también se da a conocer porque comienzan a
transmitir las películas en las cuales el colaboró como compositor de la
música, en la televisión.
¿Qué es?
Música Clásica/ Composiciones Orquestales
¿Qué no es?
Música popular/ Composiciones Simples.
Filmografía
Sería erróneo decir que Mark Mancina tiene una discografía puesto
que su trabajo se dirige a la composición musical para el cine por lo que es
mejor decir que Mancina tiene una filmografía, la cual es:
2008.- Meg
2009.- The
Shooter, Camile, August Rush.
2005.- Blood +, Tarzan II, Asylum
2003.- La mansión encantada, Hermano Oso, El Misterio de
Wells.
2001.- Falsa Identidad, Training Day, Bait, Más Allá de la Sospecha
1999.- Tarzan
1998.- Regreso al Paraíso, De la Tiella a la Luna
1997.- Speed 2: Cruise Control
1996.- Moll Flanders: el coraje de una mujer, Twister.
1995.- Asalto al tren del dinero, Caza Legal, Asesinos, Dos
Policías Rebeldes, El Novio De Mi Madre.
1994.- Speed, Un Ladrón De Cuatro Manos, El Rey León
1992.- Confesión Criminal
1990.- Los Supersónicos: La Película, C.O.P.S: Fuerza Futura.
1989.- Zona Mortal, Clave de Vergüenza.
2005.-
Mentes Criminales
1995.- The
Outer Limits.
Características
Musicales
Melodía
Sentido.- es difícil decir cuál es el sentido de la canción
debido a que no existe una letra, pero conociendo el contexto (la película) se
puede inferir que la canción esta para que August pueda encontrar a sus padres
y esa travesía que vivió para encontrarlos está representada en los cambios de
ritmo que existen en la canción.
Altura.- es errática puesto que va de un volumen muy alto y
dinámico a un volumen bajo y suave, juega mucho con los diferentes sonidos que
pueden dar los instrumentos que utiliza en esta canción, entre ellos, la
guitarra acústica, la voz humana, violines violonchelos, trompetas, copas de vidrio,
etc.
Duración y Periodos: 4/4
Motivos: de Mark fue componer la canción para la película,
pero dentro de la historia de la película, August la compone para enseñársela a
mucha gente con la esperanza de que sus padres la escuchen y puedan
encontrarlo.
Ritmo
Sonidos: Instrumentos de viento, copas de vidrio, guitarra
acústica, violín, violonchelo, coros, trompetas, Arpa, campanas de viento,
tambores, sonidos eléctricos (sirenas).
Silencios: En el minuto 3:02 existe un pequeño silencio que
marca la pauta para el cambio de ritmo que se hará en la canción.
Duración: 7:38.
Acentos: están presentes durante toda la canción, es una
composición muy dinámica, también se usan los acentos para indicar un cambio de
ritmo o de volumen.
Textura
Medio: existe de todo en esta composición casi no existen
sonidos graves, por lo general se encuentra en los medios y los agudos.
Armonía: El ritmo varía mucho, aunque siempre se mantiene en
compases de cuatro cuartos, el ritmo cambia de velocidad, va de ser muy
dinámico a muy lento así durante toda la composición, pero a pesar de esto, la
melodía jamás es arrítmica.
Timbre
Tono: de agudos a graves, por lo general se mantiene en
agudos y medios.
Volumen: es lo que más varia, al ser una composición de tipo
clásica, el volumen es muy alto en unas partes y luego se suaviza.
Interdiscursividad
Es una combinación entre instrumentos y voz humana, es una
composición bastante compleja y al serlo es muy rica en sonidos texturas y
tonos.
Dimensión
histórico-socio-cultural
Esta obra fue compuesta por Mark Mancina, fue realizada para
la película August Rush que trata de un niño que es huérfano y que busca a sus
padres, ambos son músicos y el resulta ser todo un prodigio musical, te narra
la historia de cómo se escapa del orfanato y vive en las calles para después ser
descubierto, aprovecha su talento y decide componer una canción para encontrar
a sus padres, esta película es del 2009.
Juicios Reflexivos
En lo personal se me hace una de las composiciones musicales
más hermosas, tiene tanta variedad de sonidos, instrumentos, ritmo y volumen, es
una composición tan compleja y profunda que logra transmitir tanto sin tener la
necesidad de escuchar una sola palabra.
Petrificación
Metafórica
Al ser una composición meramente instrumental, no existe una
metáfora dentro de ella, lo que sí tiene, son contrastes, muchísimos contrastes
en sonidos, volumen, velocidad, etc. Como dije anteriormente, es una
composición tan rica, vasta y compleja que no hay necesidad de poner una sola
palabra para transmitir alguna emoción.
El Tema
No existe un tema por ser un instrumental, lo que quiere
lograr es transmitir una emoción, la que sea y a mi juicio lo logra
perfectamente.
Harvest Filmworks,
Plantain Films y Protozoa Pictures
El Cisne Negro
Clint Mansell
Fox Searchlight
Pictures y Protozoa Pictures
El Luchador
Clint Mansell
Protozoa Pictures
La Fuente De
La Vida
Clint Mansell
Warner Bors y Regency
Enterprises
Réquiem Por Un
Sueño
Clint Mansell
Artisan Entertainment
y Thousand Words
Título
en Español
Reparto
Pi: El Orden
del Caos
Sean Gullette, Mark
Margolis, Ben Shenkman, Pamela Hart.
El Cisne Negro
Natalie Portman, Mila
Kunis, Vincent Cassel, Winona Ryder, Barbara Hershey.
El Luchador
Mickey Rourke, Marisa
Tomei, Evan Rachel Wood, Todd Barry
La Fuente De
La Vida
Huge Jackman, Rachel
Weisz, Ellen Burstyn, Mark Margolis, Stephen Mc Hattie
Réquiem Por Un
Sueño
Jared
Leto, Jennifer Connelly, Ellen Burstyn, Marlon Wayans, Christopher McDonald,
Louise Lasser, Marcia Jean Kurtz, Janet Sarno, Suzanne Shepherd, Dylan Baker,
Keith David, Peter Maloney
Argumento Principal
de las 5 Películas
Si bien es cierto decir que estas cinco películas tocan
temas muy diferentes, también es cierto afirmar que las cinco películas
coinciden en una cosa, son películas psicológicas, es decir, que los temas que
tocan son diferentes pero todos llegan a un tema supremo, o a un tema en común,
la psicología; las cinco películas enlistadas anteriormente nos hablan de un análisis
muy profundo del ser humano ya sea para bien o para mal, ese sería el argumento
principal de las películas de Aronovsky, vamos diciendo que todas ellas toman
caminos diferentes (los tópicos de las películas) pero llegan a una misma meta
(Argumento supremo: Psicología del Hombre).
Al estar haciendo la argumentación principal de las 5
películas nombradas anteriormente es difícil destacar en esta parte los
atributos de los personajes principales de estos filmes puesto que todos ellos
tienen características muy diferentes lo que podemos decir de cada uno de estos
personajes principales como son Nina (Black Swan), Mrs. Gldfarb (Requiem For A
Dream), Randy, (The Wrestler), Maximillian Cohen (Pi) y Tom Creo (The Fountain)
es que cada uno de ellos atraviesa por una etapa sumamente difícil en su vida y
lo resuelven de diferente manera pero todos tienen que lidiar con situaciones
tan dramáticas que afectan la cordura de cada uno de ellos, es por eso que
decimos que la argumentación principal de las películas de Aronovsky es
psicológica.
Podemos dividir los filmes como; el planteamiento del
problema principal, el desarrollo de cómo tratan de resolverlo los personajes
principales y las consecuencias que trae esta resolución, negación o superación
del problema.
Acción
La acción de las cinco películas es que se plantea de manera
suave el problema principal de cada uno de los personajes de los filmes, después
el desarrollo de cada uno de sus problemas se va tornando en un caos total
tanto para el espectador como para los personajes, lo remarcable de las
películas de Aronovsky es que el final de sus películas es inesperado, por
ejemplo, el manejo de las escenas en Black Swan es tan complejo que llegas a un
punto de no saber exactamente si Nina está alucinando o en verdad están pasando
esas cosas.
Imagen
Por lo general, en todas las películas de Aronovsky se ven
casi las mismas tomas, close ups, steady cam y traveling, la duración de las
tomas tiene un ritmo inconstante, ya que existen tomas largas y después tomas
muy cortas, una tras otra tras otra, y después vuelvelas tomas largas y lentas, es decir, que
existe una variación inconstante en la secuencia y duración de las tomas, pero
al mismo tiempo la secuencia de las tomas, no del tema que están tratando, si
no de las tomas es bastante lógica porque no existen tomas que no concuerden
con lo que la historia esta contando, es decir que si la película está hablando
de ballet no existe una toma de un juego de básquetbol a menos que la historia,
el contexto y las tomas anteriores lo justifiquen.
Lo que si es cierto es que la consistencia del tiempo y el
espacio en las películas de Aronovsky es que son muy incosntantes, por ejemplo
en La Fuente De La Vida, que va de tiempo de la vida real a tiempo de ficción,
o en Black Swan que algunas tomas son de la realidad de la película y otras de
la realidad de Nina, es decir que unas van de la vida real, dentro de la
película, y otras son de las alucinaciones de cina, por lo que es difícil decir
que existe una consistencia, sin embargo los espacios e cada toma están bien
determinados.
Escena
El manejo de la escena en las películas de Aronovsky va
acorde al tema de las películas, es decir que el desarrollo de las películas se
da en escenarios adecuados de acuerdo al tema que están manejando las
películas, por ejemplo la de The Wrestler, que está hablando de lucha libre, se
da en un escenario de acuerdo al tema, es decir en un cuadrilátero, Black Swan
en un estudio de danza de Ballet, Requiem For A Dream, que está hablando de la
vida cotidiana de unos adictos a las drogas se narra en una ciudad, en un
espacio urbano.
Planos
Los planos que más se usan en las 5 películas de Aronovsky
son, plano a detalle, primer plano, plano generaly gran plano general, estos planos se ven repetidos
constantemente en las 5 películas, una marca del director son los planos a
detalle o Close Ups, Aronovsky usa mucho este tipo de planos porque son los más
dramáticos y al tocar temas psicológicos eso es lo que buscas, dramatismo en
las imágenes.
Ángulos y posiciones
de la cámara
Como se mencionó anteriormente Aronovsky usa mucho las tomas
rápidas y posiciones extrañas en el ángulo de la cámara para acentuar el
dramatismo de la historia y hacernos sentir lo que los personajes están sintiendo,
los ángulos a los que Aronovsky más recurre son:
Ángulo normal, que es el ángulo desde los ojos de una
persona que está parada ese ángulo lo usa para establecer un cierto orden
dentro de sus tomas porque si no sería todo un caos y no entenderíamos la
película.
Ángulo picado, este lo usa para darnos la sensación de
pequeñez del personaje, por ejemplo en la escena de Black Swan donde toda la
compañía está bailando y entra el director para anunciarles cual será la nueva
puesta en escena, la toma es un ángulo picado de toda la compañía y después un ángulo
contra picado del director, esto lo hace para darle una posición o jerarquía a la
compañía en contra del director de la misma, los ángulos picados se usan para
minimizar la importancia de algo o para darle una sensación de pequeñez ante
algo.
Ángulo Contrapicado, al contrario del ángulo picado, este
tipo de ángulos dan la sensación de grandeza o imponencia, por ejemplo en la
última escena de The Wrestler, cuando él se avienta de la tercera cuerda hay
una toma con ángulo contra picado que nos hace ver la grandeza del luchador.
Fotografía
Exceptuando The Fountain, las películas de Aronovsky nunca
se han caracterizado por tener una fotografía espectacular o hermosa, más bien
es una fotografía bastante simple, no significa que esta sea mala, simplemente
es una fotografía normal, nada fuera de lo común, porque Aronovsky se enfoca
más en las tomas, los ángulos y la historia de la película.
La Lente
Aronovsky, como mencioné anteriormente usa mucho los planos
a detalle o Close Up por consiguiente la profundidad de campo un sus películas
no es mucha, es decir que, Aronovsky no pretende mostrar un paisaje hermoso o
un fondo exquisito, al contrario, no le toma tanta importancia a estos
elementos, se enfoca mucho más en la actuación y expresión de los personajes,
por lo cual no existe mucha profundidad de campo en sus tomas, salvo en unas
cuantas, la mayoría no tienen mucha profundidad de campo.
La Luz
La iluminación en estas películas juega un papel
importantísimo dentro de la narrativa de las diferentes historias, la mayoría
de las escenas están iluminadas con luz dura, es decir, con una luz que marca
mucho las sombras en los objetos, es la típica iluminación, un lado con luz y
el otro es oscuro, esto hace que las expresiones se marquen más y se vean mucho
más dramáticas la luz que más se utiliza es la luz artificial, salvo algunas
escenas exteriores donde la luz es natural, pero como la mayor parte de las
películas es grabada en estudios o interiores, la luz más utilizada es la luz
artificial.
También usa mucho los contraluces, la luz frontal y la luz
lateral, todas estas formas de iluminación le dan carácter o características a
los personajes, por ejemplo, en la escena principal de Black Swan, cuando Nina
está bailando el prólogo de El Lago De Los Cisnes, la iluminación que usan le
da un carácter de sueño, es decir que el baile se encuentra en un sueño, y
luego lo afirmamos cuando Nina despierta y le cuenta el sueño a su madre; La
iluminación en The Fountain es clave para la fotografía de la película, la
mayoría de las escenas de ciencia ficción usan una iluminación artificial y
color dorada, que le dan un sentido de espiritualidad a la escena.
Como podemos ver la iluminación juega un papel sumamente
importante en las películas de Darren Aronovsky, la iluminación es fundamental
puesto que sin ella no existe el objeto enfrente de la cámara.
Articulación del
sonido y la imagen
Otro elemento indispensable en las películas es el sonido,
es fundamental para Aronovsky que la música acompañe en todo momento a la
imagen, y juega un papel sumamente importante ya que la imagen se complementa con
el sonido, ¿qué sería de una película de horror si el sonido y la música?
Por lo general la música que usa Aronovsky en sus filmes es
muy dinámica, muy intensa, tiene picos muy notables, parecido a la música
clásica, inclusive en Black Swan donde se usó música clásica, Chaikovski, se le
dio un giro y se hizo aún más dinámica la música, más intensa, en mi opinión la
unión entre las imágenes y el sonido es exquisita, porque no existe ninguna descoordinación
con lo que estamos viendo y escuchando, es decir, que la selección de la música
y el sonido va perfecto con las imágenes y con la historia que se quiere
contar, además nos ayuda a sentir lo que el personaje está sintiendo en ese
momento, como dicen, nos tiene al filo de la butaca.
Podemos escuchar muchos agudos en la música y los sonidos
que acompañan los filmes de Aronovsky además de ser composiciones musicales muy
complejas y ricas en instrumentos.
Códigos
Existen varios códigos dentro del séptimo arte, códigos de
encuadres, de movimientos de cámara, de vestuario, de colores.
Códigos de encuadres.- los encuadres en estas películas son,
como anteriormente mencioné, extraños con respecto a nuestra propia
perspectiva, extraños en el sentido que es una imagen que no está equilibrada
como tiene que estarlo si no que son encuadres extraños, inclinados, chuecos
que contribuyen al mismo desorden que el personaje principal está sufriendo en
su vida y en su historia.
Códigos de movimientos de cámara.- normalmente la gente se
espanta cuando existe mucho movimiento de cámara, y Aronovsky juega muchísimo
con esta técnica, por ejemplo los Steady cam, que es como si uno agarrara un
espejo y se pusiera a caminar por la calle o a correr, esto nos da una
perspectiva muy extraña del personaje pero que se complementa con lo que
Aronovsky quiere transmitir a la audiencia, lo que el personaje está viviendo
en ese momento. Otro recurso que usa es la cámara en mano para darnos la sensación
que estamos dentro de la película, porque al tener un aparato para mover la
mano no dan una sensación natural de movimiento, en cambio al tener la cámara en
la mano, si bien las escenas son muy movidas, el movimiento es natural, es
decir que es como si nosotros estuviéramos dentro de la película y en verdad estuviéramos
viéndolo en vivo y en directo y esto logra una conexión con la audiencia.
Códigos de vestuario.- Al narrar historias cotidianas los
vestuarios que usan son bastante comunes pero de acuerdo a la historia que se
está narrando y en realidad más profundos y complejos de lo que en realidad
creemos, por ejemplo y en lo personal el manejo del vestuario en esta película en particular
se me hace maravilloso, en Black Swan, Nina comienza usando colores en su
vestimenta claros, blancos y rosas que significan que ella en la vida real es
el cisne blanco, inocente, puro y por otra parte Mila Kunis usa colores
oscuros, negros grises oscuros, que representan la agresividad, la maldad y lo
arriesgado, que hacen alusión al cisne negro; conforme va avanzando la
película, Nina comienza a usar colores cada vez más oscuros y lo que nos quiere
decir esto es que poco a poco Nina se comienza a transformar en el cisne negro.
Como podemos ver los vestuarios no simplemente son ropa elegida
al azar, es ropa con un alto grado de complejidad y de profundidad dentro de la
historia.
Códigos de color.- Los colores que se manejan en tan
mencionadas películas es espectacular, los colores que por lo generalpredominan son los colores oscuros, ocres y
opacos, que hacen que las escenas sean más dramáticas, por lo general los
colores oscuros nos generan angustia, mientras que los colores brillantes nos
generan tranquilidad o paz, Aronovsky juega muy bien con los colores en la
imagen ya que van de acorde con la imagen y la historia como vimos en la
iluminación y en el vestuario.
Denotación y
Connotación
Por su implicación y sugestión, el cine es, ante todo,
interpretación, pues no existe una denotación pura, por esta razón es un poco
más difícil explicar este punto y más si se habla de cinco películas tan
complejas como las de Aronovsky, ya que si me fuera por lo denotativo, es decir
la descripción de las imágenes, este ensayo nunca acabaría, mientras que lo connotativo
es una interpretación personal de lo que quiere decir lo denotativo. Por
ejemplo, para mí el vestuario en Black Sean quiere decir la transición de Nina
de ser una persona inocente a una persona rebelde, pero para alguien más puede
significar otra cosa.
Lo que sí puedo decir es que connotativamente las películas
de Aronovsky tocan y hablan de temas muy controversiales, a mi criterio sus
historias hablan de la lucha y la transición de los problemas de sus personajes
principales y de cómo ellos lo van superando poco a poco llegando a consecuencias
fatales o magníficas, que en su mayoría suelen ser fatales,también supongo que estas películas pretenden
darnos una lección de vida, de que podría pasar si llegásemos a vivir lo mismo
que están viviendo estos personajes.
Lo que también podemos implicar denotativamente es que el
éxito de las películas de Aronovsky se debe al manejo tan controversial de la
historia que él hace, sin mencionar al excelente reparto que elige para sus
películas, también las historias que narra y sus mismos personajes que suelen
ser outcast es decir personas de un círculo social diferente, los rechazados o
los diferentes de la sociedad, los que están fuera de lo normal.
Convenciones
Narrativas y Formales
Es decir, el género de las películas a qué lugar pertenece la
película, existen varios tipos como: Fórmula clásica: grupo o individuo común
en situación excepcional
Fórmulas narrativas de la tradición clásica (1915-1945):
Amor y Erotismo: Obsesión romántica
Mundo del Espectáculo: Compulsión escénica y consecuencias
Detectives: Acción moral en un mundo corrupto
Western: Individuo que lleva a la comunidad a la civilización
Guerra: Incorporación a la sociedad por medio de pruebas
Ciencia Ficción y Horror: Complicidad con lo extraño
Fantasía: Contrapartes oníricas de experiencias vitales
En su mayoría, las películas de Aronovsky pertenecen al
género del Drama pero especificaré con cada película a que tipo pertenece de acuerdo
a las especificaciones que mencioné anteriormente.
Pi: Fórmula Clásica/ Guerra.
Black Swan: Amor y Erotismo/ Ciencia Ficción y horror/ Mundo
del Espectáculo.
El Luchador: Mundo del espectáculo/ Guerra/ Trágico-Heróica.
La Fuente de la Vida: Ciencia Ficción/Fórmula Trágica.
Requiem Por Un Sueño: Trágico/ Amor y Erotismo.
Ideología
Esta es la visión del relata con el mundo, es decir como la
historia ve al mundo, por lo general Aronovsky ve al mundo de una manera
trágica, muy fuerte y muy cruda, nos da lecciones de vida, de como si manejamos
las situaciones como se manejan en sus películas podríamos llegar a las mismas consecuencias
que los personajes principales, exceptuando a La fuente de la vida.
Tema: La inocencia, el abandono o la desesperación, también
se puede interpretar como el coqueteo.
Colorema: luz y sombras muy marcadas, colores vivos en
contraste de un fondo opaco, nos habla del contraste de la misma pintura, por
la posición y la mirada de la chica se puede interpretar como un coqueteo pero
al ver las cejas y bajar la mirada hacia la boca vemos lo que pareciera ser una
señal de desesperanza o soledad apoyado por las sombras tan marcadas que están en
la pintura.
Volumen topológico: Exterior.- es una chica de perfil en el
cuerpo pero viendo hacia nosotros, su expresión facial es coqueta pero con un
cierto grado de temor expresado con los ojos y en las cejas, el fondo en el que
se encuentra es de color negro, su ropa es opaca, color dorado opaco que hace
contraste con la luminosidad que hay en su cara, tiene un turbante con colores
brillantes y un arete de perla muy grande y que resalta, suponemos que la chica
es joven por la suavidad de su rostro y porque aparenta una edad temprana.
Interior.- suponemos que la chica se encuentra en el
interior de algún lugar por el fondo en el que se encuentra, también suponemos
que del ladi izquierdo de la habitación está una ventana por el tipo de
iluminación y las sombras que existen en la pintura. Podemos inferir que la
muchacha es delgada a pesar de que la vestimenta que está usando es voluminosa,
inferimos esto por su cara, tiene facciones delgadas.
Variables del color: existen colores base muy notables en
esta pintura, el negro como base de la misma, el color opaco ocre del vestido
de la chica, así como los contrastes que hay, la luminosidad del turbante y la
cara de la chica.
Universo y dinámica del color: existe un contraste claro en
los colores de esta pintura, el tono que predomina es el negro que está de
base, es el principal que crea el contraste entre los diferentes colores: “Se
siente que el cuarto en el que se encuentra es oscuro, iluminado por una
ventana gracias a los colores podemos inferir que la tez de la chica es suave”.
Matices, tonos y tintes: los tonos son dos brillantes y
opacos, como se dijo anteriormente esto crea un contraste en la pintura.
Nomenclatura de los
colores
Dominante: es el color negro de la pintura ya que es el que
más espacio ocupa dentro del cuadro.
Luminosidad: Existe una luminosidad dura, ya que crea
sombras profundas , es decir que no toda la pintura está iluminada, al
contrario, el lado derecho de esta está pobremente iluminado al grado que se
pierden detalles en la ropa de la chica que se encuentra de este lado, mientras
que el lado izquierdo de la misma, está muy bien iluminado.
Cromaticidad: Los colores se pueden diferenciar entre ellos
inmediatamente, es decir que no existe una degradación en los colores, salvo en
las sombras, pero ello no hace que los colores se pierdan entre ellos.
Tonalidad: la tonalidad de los colores va en de gradiente,
es decir que es el mismo color pero se va haciendo más oscuro de izquierda a
derecha.
Complementariedad: el mismo principio de contraste que
existe en la pintura hace que los colores se complementen.
Saturación: el fondo es totalmente negro mientras que el
cuello de la camisa e la chica es totalmente blanco, la saturación en ambos es
muy profunda ya que no se pueden apreciar detalles en ninguno de los dos.
Polos cromáticos: tenemos dos, el lado izquierdo (luminoso)
de la pintura y el lado derecho (oscuro), justo en medio de la pintura se
encuentra un balance entre estos dos polos, es decir que va en de gradiente de
ambos lados, de derecha a izquierda va de lo oscuro a lo claro y viceversa, y
en el medio de la pintura se encuentra un equilibrio entre ambos puntos.
Textura: el manejo de las sombras y la luz es lo que le
otorga textura a la pintura, la tez aparentemente suave de la chica, al igual
que el turbante, el vestido de apariencia áspera.
Profundidad: no existe profundidad en esta pintura, no
podemos decir si la joven se encuentra cerca o lejos del fondo.
Contornos: Las líneas de la cara y el cuello delimitan la
figura y nos dan la sensación de juventud y pequeñez, sin embargo las líneas de
su ropa hacen que se vea grande y voluminosa.
Reglas sintácticas: el cuadro es totalmente estático, no
existe algún elemento que nos dé una referencia de movimiento.
Elementos plásticos: mujer, turbante, vestido, arete y fondo
son los componentes del conjunto.
Tinte: óleo, negros, amarillos, blancos y azules.
Tela: el tejido y sus hilos.
Neutralidad o desequilibrio: en este cuadro las fuerzas están
equilibradas, no existe nada que de una sensación de lucha entre fuerzas excepto
la posición de la chica, su cuerpo de perfil pero su cara hacia nosotros.
Fuerzas activas y
pasivas
Activas.- ella de perfil pero con la cara volteando hacia
nosotros.
Pasivas.- no existe mayor movimiento la pintura es casi
totalmente estática.
Distancia: no hay tal porque en el cuadro no existe un
sentido de profundidad, lo que hace casi imposible decir si el fondo se
encuentra lejos o cerca de la chica o si la fuente de iluminación está cerca o
lejos.
Perspectiva: la perspectiva es desde el frente de la joven,
es decir que la estamos viendo de frente de ella.
Análisis semiológico tipológico: el cuadro se trata
principalmente de los contrastes, existen contrastes en los colores, en la luz,
en las líneas de la cara de la joven y su ropa, así como en su expresión facial
que nos da una sensación de inocencia y coqueteo pero al mismo tiempo también
nos hace sentir una desesperación, abandono o desconsuelo de parte de la chica.
