En esta sección del Blog analizaremos, desde el punto de
vista de la Semiótica, a la Arquitectura. La Arquitectura es un conjunto de
signos como las paredes, las puertas, las ventanas que, tanto en conjunto como
por si solos pueden significar algo.
Se compone de tres elementos, el Diseño, Urbanismo y el
Signo, que quieren decir, el origen, la relación que tiene con la ciudad o la
locación en donde está dicha construcción y la representación misma del objeto,
respectivamente.
Para este análisis usaremos una de las construcciones más
conocidas de nuestro país que es el estadio Jalisco, el cual es el 3° más
grande de México, en donde se han llevado acabo eventos de naturaleza,
lógicamente deportiva como musical y cultural, pero que antes que nada ha sido
el hogar de equipos futbolísticos como el Atlas, Tecos y el Club Deportivo de
Guadalajara. Si hablamos de signo es claro que dicha pieza arquitectónica es un
estadio, un recinto deportivo, además de todo lo que se habló anteriormente.
A cerca del Diseño, se puede inferir que fue planeado a raíz
de un clásico partido entre el Guadalajara y el Atlas, se dieron cuenta de que
los espectadores se atropellaban entre ellos para entrar para conseguir un buen
lugar en el Parque Martínez Sandoval, que era donde llevaban a cabo los
partidos.
Debido a eso se iniciaron las propuestas, la primera de
ellas fue por la comisión de Futbol, Alberto Bravo que sugirió un estadio de
grandes magnitudes, en donde ya no fuera necesario que los aficionados tuvieran
que empujarse unos con los otros para entrar a los partidos.
La segunda propuesta fue hecha por el arquitecto, Jorge Dipp
quien había conseguido un terreno de 47, 200 metros cuadrados, así las
propuestas siguieron llegando hasta que por fin en 1960 se logró la fundación
del inmueble.
Algunos datos interesantes del estadio que además entraría
en el diseño:
CANCHA
Medidas: 105m x 68m
Tipo de Pasto: Kicullo o alfombra
PORTERÍAS
Medidas: 7.32m x 2.44m
Material: tubo negro de 4.5 de diámetro, cédula 30 (grososr)
Material de Redes: Seda y Polipropileno.
ALUMBRADO
372 luminarias de 4 niveles de intensidad.
EQUIPO DE SONIDO
6,000 watts.
8 baffles de aproximadamente 400 watts.
VESTIDORES
4 generales y 2 para árbitros
Oficina para Entrenador
Jacuzzi
Sala Antidopping
Enfermería
Capilla
Sala de Prensa
Tribunas
Palcos
Estacionamiento de 660 lugares.
Instalaciones Santirarias, 62
Escaleras y Puertas, 33
Bodegas, 11
Ahora pasaremos a analizar el urbanismo de esta construcción
tan icónica de nuestra perla tapatía y esto es así debido a que en ese lugar se
han vivido muchas experiencias, e incluso experiencias internacionales sin
mencionar los grupos sociales que han nacido ahí como las famosísimas porras.
La función comunicativa del estadio Jalisco se ha
deteriorado un poco con los años, puesto que, como todo en el mundo, va pasando
de moda y con la construcción del estadio Omnilife ha pasado un poco de moda,
pero a pesar de esto el Estadio Jalisco siempre formara parte de la historia de
Guadalajara y siempre tendrá un lugar especial en la comunidad Jaliciense.
Su significado es la unión de sus fans y apasionados por el
Futbol a lo largo de los años y que a pesar del paso del tiempo se sigue
sintiendo esa pasión, emoción y ambiente que se vive en el Estadio Jalisco.
Su funsión es clara, presentar eventos de gran magnitud ya
que es un espacio muy grande con muchos lugares a disposición, fomenta el
deporte la cultura y la convivencia, es importante mencionar los dos tipos de
códigos que entran en la semiótica de la arquitectura.
Las tres articulaciones que son:
Figuras Geométricas: se encuentran todo tipo de figuras
desde cuadrados, triángulos, el techo tiene forma de óvalo, es cuestión de
poner atención y verlo con un ojo geométrico y simplificado.
La geometría: El estadio tiene muchos puntos en fuga, que te
desvían la mirada de forma recta.
Volumen: el volumen es fijo.
Es importante mencionar que el pensamiento arquitectónico
puede ser de tipos diferentes como: persuasivo, psicológico, lúdico, hace
funciones equivocas, tiene anémona, es comercial y es objeto de técnica.
Esta casa, que actualmente funge como museo, fue construida
por el arquitecto mexicano Luis Barragán en los años 1929 y 1930 por encargo de
Efraín González Luna; esta construcción me pareció maravillosa porque combina
varios elementos de la arquitectura, la tanto moderna para esa época, como
conservadora para la época actual.
Es una casa que al principio cuesta un poco recorrerla
debido a que tiene muchos cuartos y pasillos, además de que es una construcción
muy grande, esta casa cuenta con muchos balcones los cuales eran bastante
comunes en las construcciones de antaño y que la hacen bastante representativa
y pintoresca, actualmente hay una exposición de pan dentro de la casa que
muestra lo artesanal del pan en su forma física así como sus aspectos
simbólicos que se encuentran ligados con la ritualidad religiosa, esta
exposición se llama El Santo Olor de la
Panadería.
En lo personal, esta construcción me encantó porque nos abre
una ventana a un mundo y una época antigua, nos enseña cómo se vivía antaño, es
una casa tanto vanguardista como conservadora, y gracias a ello fue ganadora
del premio Pritzker, que es considerado como el premio nobel de la
arquitectura, además de que nos muestra el talento mexicano, sin duda una casa
que no pueden dejar de visitar.
jueves, 21 de noviembre de 2013
The Big Bang Theory
Es una comedia que se estrenó en el 2007 en donde se relatan
las vivencias de 4 amigos superdotados en el ámbito de las ciencias exactas,
como la física, las matemáticas y la astrofísica y una aspirante a actriz.
Los personajes principales, Penny, Sheldon, Leonard, Howard
y Raj, viven una serie de situaciones muy cómicas ya que los hombres tienen
dificultad para relacionarse con el sexo opuesto debido a que son unos “geeks”
y Penny es todo lo contrario a ellos, tienen que subsistir todos juntos y se
forma una pandilla de amistad bastante extraña y graciosa.
Polisemia
En esta serie se muestran situaciones actuales y comunes de
la vida cotidiana, así como teorías físicas reales pero que son simplificadas
para que la audiencia las pueda comprender en su mayoría, a pesar de no contar
con estudios en física; el principal factor que le dio éxito a esta serie de
televisión fue que relata situaciones bastante apegadas a la realidad y que no son
algo fuera de lo común, si no que suelen suceder bastante a menudo dentro de la
cotidianidad de la vida diaria.
Heterogeneidad
La heterogeneidad de la serie es muy basta ya que no sólo
toca temas relacionados con la ciencia si no que habla de situaciones que
ocurren en la vida diaria, el encontrar pareja, lo difícil que es relacionarte
con el sexo opuesto e incluso las diversas situaciones que se pueden vivir con
la convivencia diaria entre amigos o “roomies” que además comparten el mismo
lugar laboral y prácticamente los mismos gustos. Estos temas hacen que se
puedan crear un sin número de situaciones chuscas y divertidas dentro de esta
serie televisiva.
Interrupción y
Frecuencia
En esta serie no existen estos dos términos, ya que no es
algo que se tenga que llevar con continuidad, debido a los temas que maneja,
The Big Bang Theory, se puede ver salteado, es decir, que se pueden mirar los
episodios de manera discontinua, sin necesidad de seguir la línea narrativa
temporal y uno no se pierde de nada o no es capaz de entender debido a la línea
temporal que se maneja dentro de esta serie.
Estructura Narrativa
La estructura que The Big Bang Theory sigue es la de SERIES
PARA LA TELEVISÓN, ya que lidia con las pausas para comercialización sin que se
pierda la estructura principal de la serie, es decir, que si existe una pausa a
la mitad de la serie, ya sea por comerciales o por el mismo tiempo en el aire,
uno no pierde ni un detalle de la serie ya que está estructurada para ello.
Construcción de la
Narración Televisiva
Los personajes que existen dentro de esta serie son tan
diferentes que dan material para poder escribir infinidad de situaciones
divertidas, ya que todos son diferentes a pesar de que todos son unos genios,
cada uno de ellos cuenta con una personalidad distinta y divertida que hace que
la variedad en la serie aumente mucho.
Star – System
The Big Bnag Theory tuvo tanto auge y aceptación por la
audiencia que, era de esperarse que produjera estrellas que serían reconocidas
a nivel mundial, eso es a lo que se refiere el Star – System, que la televisión
es capaz de crear a grandes e influyentes personalidades debido a la misma gran
influencia que tiene este medio de comunicación.
Televisión Reality
Se puede decir que The Big Bang Theory es, en parte, una
televisión reality, ya que habla de temas y situaciones actuales y reales, es
decir, que no cuenta anécdotas ficticias, sino todo lo contrario que está
apegado a la realidad.
La Escenografía
La escenografía de esta serie es casi siempre la misma, el
interior del departamento de Sheldon y Leonard, la cafetería en donde Penny
trabaja como camarera y el Instituto donde Sheldon, Leonard, Howard y Raj
trabajan, es constante, nunca cambia porque se quiere apegar a la idea de que
las situaciones que se viven dentro de esta serie le pueden pasar a cualquiera
por esta razón usan objetos bastante comunes dentro de su escenografía.
Iluminación
La iluminación en esta serie es constante, muy colorida,
colores muy vivos y saturados.
Movimiento de los
Actores
La actuación de esta serie lo es todo, gracias a los actores
es posible esta comedia, cada uno de ellos se mueve y gesticula de acuerdo a su
personaje, por ejemplo Sheldon siempre esta como temeroso, hace movimientos muy
rápidos, que va de la mano con su personalidad de desconfianza hacia la gente.
La cámara y su estilo
Casi nunca se hace un Close Up porque lo que se pretende enseñar
aquí son las situaciones que viven los cinco amigos, así que no se pierde
detalles, fijándose mucho en las expresiones individuales, sino que pretende
capturar la mayoría de las expresiones de todos los personajes que están a
cuadro.
Como mencione anteriormente los colores son totalmente
saturados y vivos, así como el encuadre a su vez es en su mayoría un plano
general para lograr captar toda la situación.
Efectos especiales
Como toda buena serie de televisión, claro que recurre a los
efectos especiales, pero estos no son dentro de la puesta en escena o dentro de
encuadre, si no que estos se dan directamente en la toma, como por ejemplo en
la transición de una toma a otra en lugar de verse el corte en seco, se ve una
difuminasión en negros para lograr esta transición de manera más agradable a la
vista de la audiencia.
Estilo y edición
El recurso que se usa en esta serie es las tres cámaras básicas
que se usan dentro de un estudio de grabación y durante la edición se arregla
que esas tomas salgan perfectas en tiempos.
Esta obra musical compuesta por Andrew Lloyd Webber basada
en el libro de poemas de T.S. Eliot. Old Possum’s Book of Practical Catses una de las puestas en escena más
conocidas y más representadas a lo largo del mundo.
CATS cuenta la historia de la tribu de los gatos Jélicos la
noche en que toman la “elección jelical” en donde deciden cual de los gatos
renacerá en una nueva vida.
Este musical debutó en 1981 en Londres y un año después
llegó a Broadway, fue tan aclamado que ganó numerosos premios, entre ellos el
Tony al mejor musical, tal fue su éxito que en Londres duró 21 años en
cartelera y en Broadway 18.
Factores sociales, estéticos y literarios
En esta obra se pueden apreciar varios aspectos sociales,
como el rechazo a una persona por los errores que cometió en su pasado, esto se
ve en la situación de Grizabella, una de los personajes principales, la
compasión, el trabajo en equipo, la protección, el perdón, aceptación, amistad,
solidaridad, ternura, inocencia, liderazgo, experiencia, maldad, etc. Todo esto
combinado y adornado con la danza, la música y el canto, además de una
constante rima y ritmo inclusive en los pocos diálogos que existen dentro de
esta puesta en escena.
¿Reconoces algún elemento de la acción dentro de la
puesta en escena?
La verdad es que no, asocio la situación que ese esta dando
en CATS con la vida real, es decir que veo que las situaciones que se dan en
CATS en realidad se dan en la convivencia humana diaria.
¿Qué sabes del Teatro y la Obra?
Esta obra fue muy polémica al principio porque era una
estructura totalmente nueva dentro de los musicales, a su vez la complejidad de
la misma fue la que la posicionó en la clasificación de uno de los 5 primeros
mejores musicales que se han montado y el número dos en tiempo de duración en
cartelera, debido a que en este momento estamos montando este musical en la
Universidad Panamericana, conozco toda la historia de la obra.
Discurso Teatral y Discurso Narrativo
El discurso que existe en esta obra es totalmente diferente
al discurso narrativo e incluso al discurso teatral, puesto que es un musical,
además en este específico musical casi no existen diálogos, porque todo es
cantado.
Personaje Dramático y Personaje Narrativo
El personaje dramático tiene vida gracias al actor o a la
actriz, y el personaje narrativo tiene vida gracias al autor que escribe, es
decir que uno se lo imagina, en este caso, en CATS uno tiene que jugar con la
idea de que las personas que están en el escenario son gatos, pero aún así
siguen siendo personajes dramáticos.
¿Identificas a la obra como parte de las Artes del
Espectáculo?
Por supuesto que sí, ya que no únicamente involucra la
representación de un papel, es decir, la actuación, si no que también se suman
el canto y el baile, además de que el teatro es el principio o las bases del
cine.
¿Qué sabes de la historia de la representación?
Como mencioné anteriormente, este musical es uno de los más
representados a nivel mundial, se ha traducido a más de 20 idiomas y es uno de
los musicales más complejos y completos de la historia, también es una de las
composiciones musicales más complejas que existe dentro de este mundo de
musicales , la historia, explicada de manera breve, relata las vivencias de los
gatos Jélicos durante la elección Jelical que es cuando dicha tribu decide que
gato renacerá.
¿Has leído el texto original?
Si, el guión de la obra sí pero el libro de poemas no lo eh
leído.
¿Cómo es la traducción?
Muy buena, de echo es una de las traducciones mejor logradas
de este musical, la de México, fue premiada en varias ocasiones, además de ser
una de las puestas en escena que más a durado en cartelera.
Contexto de la Historia
Está basada en un libro de poesía de T.S. Eliot, es una de
las obras musicales más representadas a nivel mundial, se le considera como la
obra cumbre de Andrew Lloyd Webber, es una de las puestas en escena más
complejas y completas de todas, es una puesta en escena muy exigente a nivel
actoral, además de todos los puntos que he mencionado anteriormente.
Valores de los signos que intervienen en la escena
La escenografía es esencial ya que ella nos da la pauta para
saber que los gatos se encuentran en un basurero y junto con el vestuario
también nos dan la pauta de jugar con la idea que en verdad son gatos, también
la música y la iluminación son dan la indicación que se trata de una obra
totalmente ficticia, que no puede suceder en la vida real.
Mark Mancina es un compositor estadounidense, principalmente
de bandas sonoras de Hollywood, aunque su trabajotambién involucra composiciones para Broadway
y películas animadas como el Rey León y Tarzan.
Intervención de los
Medios
Su trabajo se da a conocer principalmente por la pantalla
grande, por el cine, más adelante también se da a conocer porque comienzan a
transmitir las películas en las cuales el colaboró como compositor de la
música, en la televisión.
¿Qué es?
Música Clásica/ Composiciones Orquestales
¿Qué no es?
Música popular/ Composiciones Simples.
Filmografía
Sería erróneo decir que Mark Mancina tiene una discografía puesto
que su trabajo se dirige a la composición musical para el cine por lo que es
mejor decir que Mancina tiene una filmografía, la cual es:
2008.- Meg
2009.- The
Shooter, Camile, August Rush.
2005.- Blood +, Tarzan II, Asylum
2003.- La mansión encantada, Hermano Oso, El Misterio de
Wells.
2001.- Falsa Identidad, Training Day, Bait, Más Allá de la Sospecha
1999.- Tarzan
1998.- Regreso al Paraíso, De la Tiella a la Luna
1997.- Speed 2: Cruise Control
1996.- Moll Flanders: el coraje de una mujer, Twister.
1995.- Asalto al tren del dinero, Caza Legal, Asesinos, Dos
Policías Rebeldes, El Novio De Mi Madre.
1994.- Speed, Un Ladrón De Cuatro Manos, El Rey León
1992.- Confesión Criminal
1990.- Los Supersónicos: La Película, C.O.P.S: Fuerza Futura.
1989.- Zona Mortal, Clave de Vergüenza.
2005.-
Mentes Criminales
1995.- The
Outer Limits.
Características
Musicales
Melodía
Sentido.- es difícil decir cuál es el sentido de la canción
debido a que no existe una letra, pero conociendo el contexto (la película) se
puede inferir que la canción esta para que August pueda encontrar a sus padres
y esa travesía que vivió para encontrarlos está representada en los cambios de
ritmo que existen en la canción.
Altura.- es errática puesto que va de un volumen muy alto y
dinámico a un volumen bajo y suave, juega mucho con los diferentes sonidos que
pueden dar los instrumentos que utiliza en esta canción, entre ellos, la
guitarra acústica, la voz humana, violines violonchelos, trompetas, copas de vidrio,
etc.
Duración y Periodos: 4/4
Motivos: de Mark fue componer la canción para la película,
pero dentro de la historia de la película, August la compone para enseñársela a
mucha gente con la esperanza de que sus padres la escuchen y puedan
encontrarlo.
Ritmo
Sonidos: Instrumentos de viento, copas de vidrio, guitarra
acústica, violín, violonchelo, coros, trompetas, Arpa, campanas de viento,
tambores, sonidos eléctricos (sirenas).
Silencios: En el minuto 3:02 existe un pequeño silencio que
marca la pauta para el cambio de ritmo que se hará en la canción.
Duración: 7:38.
Acentos: están presentes durante toda la canción, es una
composición muy dinámica, también se usan los acentos para indicar un cambio de
ritmo o de volumen.
Textura
Medio: existe de todo en esta composición casi no existen
sonidos graves, por lo general se encuentra en los medios y los agudos.
Armonía: El ritmo varía mucho, aunque siempre se mantiene en
compases de cuatro cuartos, el ritmo cambia de velocidad, va de ser muy
dinámico a muy lento así durante toda la composición, pero a pesar de esto, la
melodía jamás es arrítmica.
Timbre
Tono: de agudos a graves, por lo general se mantiene en
agudos y medios.
Volumen: es lo que más varia, al ser una composición de tipo
clásica, el volumen es muy alto en unas partes y luego se suaviza.
Interdiscursividad
Es una combinación entre instrumentos y voz humana, es una
composición bastante compleja y al serlo es muy rica en sonidos texturas y
tonos.
Dimensión
histórico-socio-cultural
Esta obra fue compuesta por Mark Mancina, fue realizada para
la película August Rush que trata de un niño que es huérfano y que busca a sus
padres, ambos son músicos y el resulta ser todo un prodigio musical, te narra
la historia de cómo se escapa del orfanato y vive en las calles para después ser
descubierto, aprovecha su talento y decide componer una canción para encontrar
a sus padres, esta película es del 2009.
Juicios Reflexivos
En lo personal se me hace una de las composiciones musicales
más hermosas, tiene tanta variedad de sonidos, instrumentos, ritmo y volumen, es
una composición tan compleja y profunda que logra transmitir tanto sin tener la
necesidad de escuchar una sola palabra.
Petrificación
Metafórica
Al ser una composición meramente instrumental, no existe una
metáfora dentro de ella, lo que sí tiene, son contrastes, muchísimos contrastes
en sonidos, volumen, velocidad, etc. Como dije anteriormente, es una
composición tan rica, vasta y compleja que no hay necesidad de poner una sola
palabra para transmitir alguna emoción.
El Tema
No existe un tema por ser un instrumental, lo que quiere
lograr es transmitir una emoción, la que sea y a mi juicio lo logra
perfectamente.
Harvest Filmworks,
Plantain Films y Protozoa Pictures
El Cisne Negro
Clint Mansell
Fox Searchlight
Pictures y Protozoa Pictures
El Luchador
Clint Mansell
Protozoa Pictures
La Fuente De
La Vida
Clint Mansell
Warner Bors y Regency
Enterprises
Réquiem Por Un
Sueño
Clint Mansell
Artisan Entertainment
y Thousand Words
Título
en Español
Reparto
Pi: El Orden
del Caos
Sean Gullette, Mark
Margolis, Ben Shenkman, Pamela Hart.
El Cisne Negro
Natalie Portman, Mila
Kunis, Vincent Cassel, Winona Ryder, Barbara Hershey.
El Luchador
Mickey Rourke, Marisa
Tomei, Evan Rachel Wood, Todd Barry
La Fuente De
La Vida
Huge Jackman, Rachel
Weisz, Ellen Burstyn, Mark Margolis, Stephen Mc Hattie
Réquiem Por Un
Sueño
Jared
Leto, Jennifer Connelly, Ellen Burstyn, Marlon Wayans, Christopher McDonald,
Louise Lasser, Marcia Jean Kurtz, Janet Sarno, Suzanne Shepherd, Dylan Baker,
Keith David, Peter Maloney
Argumento Principal
de las 5 Películas
Si bien es cierto decir que estas cinco películas tocan
temas muy diferentes, también es cierto afirmar que las cinco películas
coinciden en una cosa, son películas psicológicas, es decir, que los temas que
tocan son diferentes pero todos llegan a un tema supremo, o a un tema en común,
la psicología; las cinco películas enlistadas anteriormente nos hablan de un análisis
muy profundo del ser humano ya sea para bien o para mal, ese sería el argumento
principal de las películas de Aronovsky, vamos diciendo que todas ellas toman
caminos diferentes (los tópicos de las películas) pero llegan a una misma meta
(Argumento supremo: Psicología del Hombre).
Al estar haciendo la argumentación principal de las 5
películas nombradas anteriormente es difícil destacar en esta parte los
atributos de los personajes principales de estos filmes puesto que todos ellos
tienen características muy diferentes lo que podemos decir de cada uno de estos
personajes principales como son Nina (Black Swan), Mrs. Gldfarb (Requiem For A
Dream), Randy, (The Wrestler), Maximillian Cohen (Pi) y Tom Creo (The Fountain)
es que cada uno de ellos atraviesa por una etapa sumamente difícil en su vida y
lo resuelven de diferente manera pero todos tienen que lidiar con situaciones
tan dramáticas que afectan la cordura de cada uno de ellos, es por eso que
decimos que la argumentación principal de las películas de Aronovsky es
psicológica.
Podemos dividir los filmes como; el planteamiento del
problema principal, el desarrollo de cómo tratan de resolverlo los personajes
principales y las consecuencias que trae esta resolución, negación o superación
del problema.
Acción
La acción de las cinco películas es que se plantea de manera
suave el problema principal de cada uno de los personajes de los filmes, después
el desarrollo de cada uno de sus problemas se va tornando en un caos total
tanto para el espectador como para los personajes, lo remarcable de las
películas de Aronovsky es que el final de sus películas es inesperado, por
ejemplo, el manejo de las escenas en Black Swan es tan complejo que llegas a un
punto de no saber exactamente si Nina está alucinando o en verdad están pasando
esas cosas.
Imagen
Por lo general, en todas las películas de Aronovsky se ven
casi las mismas tomas, close ups, steady cam y traveling, la duración de las
tomas tiene un ritmo inconstante, ya que existen tomas largas y después tomas
muy cortas, una tras otra tras otra, y después vuelvelas tomas largas y lentas, es decir, que
existe una variación inconstante en la secuencia y duración de las tomas, pero
al mismo tiempo la secuencia de las tomas, no del tema que están tratando, si
no de las tomas es bastante lógica porque no existen tomas que no concuerden
con lo que la historia esta contando, es decir que si la película está hablando
de ballet no existe una toma de un juego de básquetbol a menos que la historia,
el contexto y las tomas anteriores lo justifiquen.
Lo que si es cierto es que la consistencia del tiempo y el
espacio en las películas de Aronovsky es que son muy incosntantes, por ejemplo
en La Fuente De La Vida, que va de tiempo de la vida real a tiempo de ficción,
o en Black Swan que algunas tomas son de la realidad de la película y otras de
la realidad de Nina, es decir que unas van de la vida real, dentro de la
película, y otras son de las alucinaciones de cina, por lo que es difícil decir
que existe una consistencia, sin embargo los espacios e cada toma están bien
determinados.
Escena
El manejo de la escena en las películas de Aronovsky va
acorde al tema de las películas, es decir que el desarrollo de las películas se
da en escenarios adecuados de acuerdo al tema que están manejando las
películas, por ejemplo la de The Wrestler, que está hablando de lucha libre, se
da en un escenario de acuerdo al tema, es decir en un cuadrilátero, Black Swan
en un estudio de danza de Ballet, Requiem For A Dream, que está hablando de la
vida cotidiana de unos adictos a las drogas se narra en una ciudad, en un
espacio urbano.
Planos
Los planos que más se usan en las 5 películas de Aronovsky
son, plano a detalle, primer plano, plano generaly gran plano general, estos planos se ven repetidos
constantemente en las 5 películas, una marca del director son los planos a
detalle o Close Ups, Aronovsky usa mucho este tipo de planos porque son los más
dramáticos y al tocar temas psicológicos eso es lo que buscas, dramatismo en
las imágenes.
Ángulos y posiciones
de la cámara
Como se mencionó anteriormente Aronovsky usa mucho las tomas
rápidas y posiciones extrañas en el ángulo de la cámara para acentuar el
dramatismo de la historia y hacernos sentir lo que los personajes están sintiendo,
los ángulos a los que Aronovsky más recurre son:
Ángulo normal, que es el ángulo desde los ojos de una
persona que está parada ese ángulo lo usa para establecer un cierto orden
dentro de sus tomas porque si no sería todo un caos y no entenderíamos la
película.
Ángulo picado, este lo usa para darnos la sensación de
pequeñez del personaje, por ejemplo en la escena de Black Swan donde toda la
compañía está bailando y entra el director para anunciarles cual será la nueva
puesta en escena, la toma es un ángulo picado de toda la compañía y después un ángulo
contra picado del director, esto lo hace para darle una posición o jerarquía a la
compañía en contra del director de la misma, los ángulos picados se usan para
minimizar la importancia de algo o para darle una sensación de pequeñez ante
algo.
Ángulo Contrapicado, al contrario del ángulo picado, este
tipo de ángulos dan la sensación de grandeza o imponencia, por ejemplo en la
última escena de The Wrestler, cuando él se avienta de la tercera cuerda hay
una toma con ángulo contra picado que nos hace ver la grandeza del luchador.
Fotografía
Exceptuando The Fountain, las películas de Aronovsky nunca
se han caracterizado por tener una fotografía espectacular o hermosa, más bien
es una fotografía bastante simple, no significa que esta sea mala, simplemente
es una fotografía normal, nada fuera de lo común, porque Aronovsky se enfoca
más en las tomas, los ángulos y la historia de la película.
La Lente
Aronovsky, como mencioné anteriormente usa mucho los planos
a detalle o Close Up por consiguiente la profundidad de campo un sus películas
no es mucha, es decir que, Aronovsky no pretende mostrar un paisaje hermoso o
un fondo exquisito, al contrario, no le toma tanta importancia a estos
elementos, se enfoca mucho más en la actuación y expresión de los personajes,
por lo cual no existe mucha profundidad de campo en sus tomas, salvo en unas
cuantas, la mayoría no tienen mucha profundidad de campo.
La Luz
La iluminación en estas películas juega un papel
importantísimo dentro de la narrativa de las diferentes historias, la mayoría
de las escenas están iluminadas con luz dura, es decir, con una luz que marca
mucho las sombras en los objetos, es la típica iluminación, un lado con luz y
el otro es oscuro, esto hace que las expresiones se marquen más y se vean mucho
más dramáticas la luz que más se utiliza es la luz artificial, salvo algunas
escenas exteriores donde la luz es natural, pero como la mayor parte de las
películas es grabada en estudios o interiores, la luz más utilizada es la luz
artificial.
También usa mucho los contraluces, la luz frontal y la luz
lateral, todas estas formas de iluminación le dan carácter o características a
los personajes, por ejemplo, en la escena principal de Black Swan, cuando Nina
está bailando el prólogo de El Lago De Los Cisnes, la iluminación que usan le
da un carácter de sueño, es decir que el baile se encuentra en un sueño, y
luego lo afirmamos cuando Nina despierta y le cuenta el sueño a su madre; La
iluminación en The Fountain es clave para la fotografía de la película, la
mayoría de las escenas de ciencia ficción usan una iluminación artificial y
color dorada, que le dan un sentido de espiritualidad a la escena.
Como podemos ver la iluminación juega un papel sumamente
importante en las películas de Darren Aronovsky, la iluminación es fundamental
puesto que sin ella no existe el objeto enfrente de la cámara.
Articulación del
sonido y la imagen
Otro elemento indispensable en las películas es el sonido,
es fundamental para Aronovsky que la música acompañe en todo momento a la
imagen, y juega un papel sumamente importante ya que la imagen se complementa con
el sonido, ¿qué sería de una película de horror si el sonido y la música?
Por lo general la música que usa Aronovsky en sus filmes es
muy dinámica, muy intensa, tiene picos muy notables, parecido a la música
clásica, inclusive en Black Swan donde se usó música clásica, Chaikovski, se le
dio un giro y se hizo aún más dinámica la música, más intensa, en mi opinión la
unión entre las imágenes y el sonido es exquisita, porque no existe ninguna descoordinación
con lo que estamos viendo y escuchando, es decir, que la selección de la música
y el sonido va perfecto con las imágenes y con la historia que se quiere
contar, además nos ayuda a sentir lo que el personaje está sintiendo en ese
momento, como dicen, nos tiene al filo de la butaca.
Podemos escuchar muchos agudos en la música y los sonidos
que acompañan los filmes de Aronovsky además de ser composiciones musicales muy
complejas y ricas en instrumentos.
Códigos
Existen varios códigos dentro del séptimo arte, códigos de
encuadres, de movimientos de cámara, de vestuario, de colores.
Códigos de encuadres.- los encuadres en estas películas son,
como anteriormente mencioné, extraños con respecto a nuestra propia
perspectiva, extraños en el sentido que es una imagen que no está equilibrada
como tiene que estarlo si no que son encuadres extraños, inclinados, chuecos
que contribuyen al mismo desorden que el personaje principal está sufriendo en
su vida y en su historia.
Códigos de movimientos de cámara.- normalmente la gente se
espanta cuando existe mucho movimiento de cámara, y Aronovsky juega muchísimo
con esta técnica, por ejemplo los Steady cam, que es como si uno agarrara un
espejo y se pusiera a caminar por la calle o a correr, esto nos da una
perspectiva muy extraña del personaje pero que se complementa con lo que
Aronovsky quiere transmitir a la audiencia, lo que el personaje está viviendo
en ese momento. Otro recurso que usa es la cámara en mano para darnos la sensación
que estamos dentro de la película, porque al tener un aparato para mover la
mano no dan una sensación natural de movimiento, en cambio al tener la cámara en
la mano, si bien las escenas son muy movidas, el movimiento es natural, es
decir que es como si nosotros estuviéramos dentro de la película y en verdad estuviéramos
viéndolo en vivo y en directo y esto logra una conexión con la audiencia.
Códigos de vestuario.- Al narrar historias cotidianas los
vestuarios que usan son bastante comunes pero de acuerdo a la historia que se
está narrando y en realidad más profundos y complejos de lo que en realidad
creemos, por ejemplo y en lo personal el manejo del vestuario en esta película en particular
se me hace maravilloso, en Black Swan, Nina comienza usando colores en su
vestimenta claros, blancos y rosas que significan que ella en la vida real es
el cisne blanco, inocente, puro y por otra parte Mila Kunis usa colores
oscuros, negros grises oscuros, que representan la agresividad, la maldad y lo
arriesgado, que hacen alusión al cisne negro; conforme va avanzando la
película, Nina comienza a usar colores cada vez más oscuros y lo que nos quiere
decir esto es que poco a poco Nina se comienza a transformar en el cisne negro.
Como podemos ver los vestuarios no simplemente son ropa elegida
al azar, es ropa con un alto grado de complejidad y de profundidad dentro de la
historia.
Códigos de color.- Los colores que se manejan en tan
mencionadas películas es espectacular, los colores que por lo generalpredominan son los colores oscuros, ocres y
opacos, que hacen que las escenas sean más dramáticas, por lo general los
colores oscuros nos generan angustia, mientras que los colores brillantes nos
generan tranquilidad o paz, Aronovsky juega muy bien con los colores en la
imagen ya que van de acorde con la imagen y la historia como vimos en la
iluminación y en el vestuario.
Denotación y
Connotación
Por su implicación y sugestión, el cine es, ante todo,
interpretación, pues no existe una denotación pura, por esta razón es un poco
más difícil explicar este punto y más si se habla de cinco películas tan
complejas como las de Aronovsky, ya que si me fuera por lo denotativo, es decir
la descripción de las imágenes, este ensayo nunca acabaría, mientras que lo connotativo
es una interpretación personal de lo que quiere decir lo denotativo. Por
ejemplo, para mí el vestuario en Black Sean quiere decir la transición de Nina
de ser una persona inocente a una persona rebelde, pero para alguien más puede
significar otra cosa.
Lo que sí puedo decir es que connotativamente las películas
de Aronovsky tocan y hablan de temas muy controversiales, a mi criterio sus
historias hablan de la lucha y la transición de los problemas de sus personajes
principales y de cómo ellos lo van superando poco a poco llegando a consecuencias
fatales o magníficas, que en su mayoría suelen ser fatales,también supongo que estas películas pretenden
darnos una lección de vida, de que podría pasar si llegásemos a vivir lo mismo
que están viviendo estos personajes.
Lo que también podemos implicar denotativamente es que el
éxito de las películas de Aronovsky se debe al manejo tan controversial de la
historia que él hace, sin mencionar al excelente reparto que elige para sus
películas, también las historias que narra y sus mismos personajes que suelen
ser outcast es decir personas de un círculo social diferente, los rechazados o
los diferentes de la sociedad, los que están fuera de lo normal.
Convenciones
Narrativas y Formales
Es decir, el género de las películas a qué lugar pertenece la
película, existen varios tipos como: Fórmula clásica: grupo o individuo común
en situación excepcional
Fórmulas narrativas de la tradición clásica (1915-1945):
Amor y Erotismo: Obsesión romántica
Mundo del Espectáculo: Compulsión escénica y consecuencias
Detectives: Acción moral en un mundo corrupto
Western: Individuo que lleva a la comunidad a la civilización
Guerra: Incorporación a la sociedad por medio de pruebas
Ciencia Ficción y Horror: Complicidad con lo extraño
Fantasía: Contrapartes oníricas de experiencias vitales
En su mayoría, las películas de Aronovsky pertenecen al
género del Drama pero especificaré con cada película a que tipo pertenece de acuerdo
a las especificaciones que mencioné anteriormente.
Pi: Fórmula Clásica/ Guerra.
Black Swan: Amor y Erotismo/ Ciencia Ficción y horror/ Mundo
del Espectáculo.
El Luchador: Mundo del espectáculo/ Guerra/ Trágico-Heróica.
La Fuente de la Vida: Ciencia Ficción/Fórmula Trágica.
Requiem Por Un Sueño: Trágico/ Amor y Erotismo.
Ideología
Esta es la visión del relata con el mundo, es decir como la
historia ve al mundo, por lo general Aronovsky ve al mundo de una manera
trágica, muy fuerte y muy cruda, nos da lecciones de vida, de como si manejamos
las situaciones como se manejan en sus películas podríamos llegar a las mismas consecuencias
que los personajes principales, exceptuando a La fuente de la vida.
